Прогуливаясь в это время года по английскому загородному саду, вы никогда не знаете, на что можете наткнуться.
Сначала вы скучаете, но затем оказываетесь в мире проказливых и непослушных существ из доселе невидимого мира. Конечно, эти озорники — гоблины и эльфы.
В них нет никакого изящества и они замышляют что-то дурное.
На самом деле, это работы Дэвида Гуда (David Goode) (на фото), британского скульптора, проживающего в английском графстве Оксфордшир (Oxfordshire). Потратив много лет на изучение человеческой внешности, он стал самым молодым разработчиком моделей для музея Мадам Тюссо (Madame Tussauds), но затем полностью переключился на другой мир.
Проведя так много времени с воском, он решил, что сделает свои работы из бронзы не менее правдоподобными.
Намерение Гуда состоит в том, чтобы вы могли свернуть за угол и остолбенеть, не веря своим глазам. Вам нужно внимательно присмотреться, прежде, чем вы поймете, что видите не настоящего эльфа или гоблина, а скульптуру. Похоже, что в любой момент его творения могут убежать и скрыться в кустарнике, чтобы продолжить дурачиться в другом месте.
Он создал свои творения на века. Выбранный им материал, бронза, может сохраняться на протяжении веков, если не тысячелетий. Можно только гадать, что какой-нибудь постапокалиптический археолог сделает из его работы, когда достанет из земли одну, спустя три тысячи лет!
Гуд получил классическое художественное образование, обучаясь в Школе скульптуры сэра Генри Долтона (Sir Henry Doulton School of Sculpture), когда ему было восемнадцать. Там он специализировался на фигуративной и портретной скульптуре, что сослужило ему хорошую службу, когда он позже присоединился к сотрудникам музея Мадам Тюссо. Это было в 1988 году, когда ему было всего 21 год.
Он ушел в «свободное плаванье» в 1994, и год спустя представил свою первую коллекцию гномов, в частности на выставке Chelsea Flower Show. Его творения мгновенно стали хитом, и с тех пор он не оглядывался назад.
Свои скульптуры он изготавливает методом, известным как литьё по выплавляемым моделям. Его стали использовать тысячи лет тому назад в Египте. Для этого используется пресс-форма по которой изготавливается каждая конкретная часть. Хотя это дорогой способ литья, он гарантирует, что каждая деталь будет идеальной.
Вы, возможно, не удивитесь, узнав, что на создание этих образов Гуда вдохновило его детское увлечение произведениями некоего Дж.Р. Толкина. Погрузившись в мифы и фольклор в юности, он перенес это увлечение в свою взрослую жизнь и в свою карьеру.
Возвышенные пейзажные картины - один из самых устойчивых и знаковых сюжетов в истории искусства: от мечтательных шпилей Ренессанса до бурлящего романтизма XIX века и экспериментов современности – всё это вызывает шквал эмоций, заставляя восторженно вздыхать, растворяясь в атмосфере, созданной художником.
Термин «возвышенное» был определён философом Эдмундом Берком в его исследовании происхождения наших идей о возвышенном и прекрасном в 1757 году. Берк также называл возвышенное не менее чем самой сильной эмоцией, которую может испытывать разум – неудивительно, что художники стремились перенять этот стиль, дабы передать всю прелесть запечатлённого момента.
1. Питер Брейгель Старший
Картина Питера Брейгеля Старшего «Бегство в Египет», 1563 год, олицетворяет собой возвышенную пейзажную живопись Северного Возрождения, сочетающую захватывающие дух пейзажи с религиозным повествованием. Крошечные фигурки Марии и Иосифа, идущие вдоль опасного утеса на переднем плане, спасаются от преследований в Вифлееме. Пейзаж тесно связан с их историей, окутанной темнотой и опасностью неизвестного. Брейгель стремился противопоставить области неподвижности и движения внутри этого единого образа, рисуя скалы и горы как устойчивую и неподвижную константу по сравнению с постоянно текущим движением воды, людей и птиц. Этот баланс противоположностей между тьмой/светом, хрупкостью/постоянством и неподвижностью/движением – сыграло главную роль в искусстве, где возвышенная пейзажная живопись стала одним из самых прочных образов всех времён.
2. Филипп Якоб Лютербург
Британский художник французского происхождения Филипп Якоб Лютербург написал картину «Лавина в Альпах» в 1803 году, в то время, когда живописные, но опасные французские Альпы были всё более популярным воплощением возвышенного пейзажа. Помимо живописи Филипп увлекался театром и подрабатывал театральным сценографом, роль которого позволяла ему вкладывать в свои полотна ошеломляющую драматургию через яркое освещение, глубину и движение.
На его альпийской картине далёкие французские горы начинают осыпаться лавиной, «извергая» ужасающе огромные облака вздымающейся пыли и дыма на сцену и затемняя небо над головой. Вспышка белого света в центре привлекает внимание к крошечным, испуганным фигурам людей, которые буквально застыли перед падающими вокруг камнями. Сюжет этой картины одновременно прекрасен и ужасен, настолько, что зритель несколько минут стоит неподвижно, пристально и завороженно наблюдая за происходящим.
3. Джозеф Мэллорд Уильям Тернер
«Снежная буря: Ганнибал и его армия, пересекающие Альпы», 1812 год, олицетворяет мучительную красоту эпохи романтизма с чудовищными, изогнутыми грозовыми облаками, которые парят над маленькими людьми внизу. Посвящённая Ганнибалу Барке, командующему Карфагенской армией в 200-100 годах до нашей эры, картина изображает солдат Ганнибала, пытающихся пересечь Альпы в 218 году до нашей эры, с саласскими племенами, сражающимися с арьергардом Ганнибала.
Здесь буря становится мощной метафорой опасной для жизни борьбы, поскольку чёрные, тяжёлые облака образуют ужасающий, закрученный вихрь, который отталкивает крошечных, беспомощных солдат. Вдалеке солнце - сияющий шар завораживающего света, проблеск надежды среди трагедии войны. Но помимо повествовательных ссылок, этот возвышенный пейзаж Тернера в конечном счёте является отражением чистой, разрушительной жестокости природы, которая угрожает бессердечно поглотить людей внизу.
4. Каспар Давид Фридрих
Одна из самых знаковых и возвышенных пейзажных картин всех времён, картина немецкого художника Каспара Давида Фридриха «Странник над морем тумана», 1817 год, воплощает мечтательный идеалистический дух европейского романтизма. Стоя в одиночестве на высокой тёмной скале, мужская фигура размышляет о своём месте во Вселенной, в то время как туман роится над далёкими долинами и горами. Фридрих передаёт возвышенный пейзаж здесь как негостеприимную и непостижимую местность, отражающую очарование XIX века дикой, необузданной природой.
В отличие от других художников той эпохи, которые стремились создавать небольшие фигуры, чтобы подчеркнуть величие пейзажа, Фридрих отводит своей фигуре центральную роль, оставляя её полностью анонимной, тем самым позволяя зрителю максимально погрузиться в таинственный туманный пейзаж.
5. Карл Эдуард Бирман
«Гора Веттерхорн» Карла Эдуарда Бирмана, 1830 год, воплощает в себе возвышенный пейзажный стиль немецкого художника, с обширной, пересечённой местностью, окружённой драматическим театральным освещением. Скалистый передний план тщательно окрашен в насыщенные тёмные тона зелёного и коричневого, что ведёт зрителя к полосе деревьев и скал, которые исчезают в чёрной тени. На заднем плане эпический горный хребет освещён лучом солнечного света, подчёркивая его ледяные остроконечные шпили как мистическое и недостижимое место, в то время как облака роятся над головой, как будто угрожая разразиться бурей.
Как и многие художники-романтики, Бирман подчёркивает благоговейный трепет, удивление и ужасающий масштаб сцены, помещая на переднем плане две крошечные фигурки, которые позволяют зрителю представить себя на месте главных героев картины, что пытаются подняться по неровным камням и болотистой траве, в то время как водопад проносится мимо них в отблесках света.
6. Арнольд Бёклин
Одна из самых поразительно возвышенных пейзажных картин, когда-либо созданных, «Остров мёртвых» немецкого художника Арнольда Бёклина, 1880 год, передаёт воображаемый остров, поднимающийся из моря на фоне тёмного неба. Картина была заказана одной вдовой, которая просила картину, «чтобы помечтать». В ответ на её просьбу художник наделил своё произведение намёками на смерть и траур. На переднем плане призрачная белая фигура направляется к острову на маленькой вёсельной лодке рядом с предметом, напоминающим гроб.
Гребца сравнивают с древнегреческим персонажем Хароном-лодочником, который переправлял души умерших через реку Стикс в Аид. Вдоль острова тянутся ряды угрожающе тёмных кипарисов, традиционно ассоциирующихся с кладбищами, а зазубренные светящиеся скалы за ними перемигиваются могильными дверями и окнами. В отличие от многих возвышенных пейзажей, жуткая тишина пронизывает сцену, придавая ей ту самую глубокую таинственную атмосферу. Сам Бёклин даже описал работу как «настолько тихую, что человек испугался бы, услышав стук в дверь».
7. Эдвард Мунк
Эдвард Мунк создал «Белую Ночь» 1901 года в своей более поздней карьере, в то время, когда он отказался от фигурации в пользу атмосферных пейзажей, но та же всепроникающая тревога его раннего искусства осталась. Эта возвышенная пейзажная картина изображает его родную Норвегию в разгар зимы, смотрящую вниз через угрожающе тёмные деревья на замерзший фьорд. Еловый лес образует зазубренный край, острый, как лезвие пилы, - предупреждение об опасном льде за ним.
Чёрные деревья на переднем плане напоминают лица или призрачных существ, но они едва различимы под покровом ночи. Сочетая сверкающий лунный свет с этими качествами опасности и угрозы, ночная зимняя сцена Мунка захватывает возвышенную красоту норвежской зимы. Размышляя о том, как его пейзажные сцены могли бы объединить наблюдения с внутренним умом, Эдвард писал: «Природа - это не только всё то, что видно глазу… она также включает в себя внутренние картины души».
8. Аксели Галлен-Каллела
«Озеро Кейтеле» Аксели Галлен-Каллела, 1904 год, передаёт знаменитое финское озеро как завораживающее светящееся зеркало, прорезанное зигзагообразными потоками ветра. Картина была написана в то время, когда по всей Финляндии чувствовалось растущее стремление к независимости. Прославляя великую нетронутую дикую природу страны, эта возвышенная пейзажная картина стала мощным символом финского национализма и гордости. Хотя здесь нет никаких признаков человеческой жизни, естественные потоки движения, видимые через воду, были хорошо известной особенностью озера.
Эти полосы движения были настолько исторически хорошо известны, что в древней финской культуре они были связаны с мифологическим персонажем Вяйнямёйнена, который, как говорили, оставлял рябь, когда он путешествовал по озеру. Эти тонкие изображения движения несли в себе большой националистический символизм для Галлен-Каллела, прославляя таинственную и загадочную красоту древней финской культуры и её тесные связи с землёй. Он описывал их так: «Серебристые полосы на поверхности безмятежной воды — это волны, возвещающие о грядущей страсти».
9. Томас Моран
Американский живописец Моран, один из лидеров школ Гудзона и скалистых гор, был настолько очарован опасно красивой нетронутой местностью Колорадо, что глубоко погрузился в царящую вокруг местность и атмосферу, где до него мало кто отваживался рисовать более тридцати сцен, запечатлевших этот уникальный, возвышенный пейзаж.
«Большой каньон Колорадо» передаёт идеализированное и романтизированное видение Большого каньона, когда острые скалы падают и исчезают в свете, прежде чем исчезнуть в далёком горизонте, в то время как надвигающийся шторм набирает темп над головой. Зрители были настолько ослеплены изображениями Морана великой американской дикой природы, что сегодня ему приписывают влияние на создание системы национальных парков, которая сохранила целостность величественного ландшафта Америки.
10. Питер Дойг
«Лыжная куртка» шотландского художника Питера Дойга 1994 года - это шквал снежной энергии и движения. Основываясь на фотографическом изображении с учениками-лыжниками, разбросанными по японской горе, Дойг намеренно искажает и разрушает исходное изображение, разрезая его на две части посередине и снова соединяя их вместе, чтобы создать жутко зеркальный эффект Роршаха.
Дойг хорошо известен тем, что сливает фотографический материал с живописными знаками, позволяя двум конфликтующим стилям играть друг с другом, как видно на этом изображении, где тщательно нарисованные деревья окружены слабо слоистыми полосками розового, белого и зелёного. Эти водные переходы краски предполагают холодные, скользкие свойства льда и снега, которые пронизывают изображение и придают ему опасную неопределённость, усиливая страх крошечных лыжников, борющихся с предательски крутой местностью вокруг них.
Про великого мастера эпохи Возрождения со странным именем, наверное, слышали все. Его портреты, работы на различные темы можно найти во всех учебниках по искусству Ренессанса.
Валлантен А. Эль Греко / М.: "Иностранная литература",1962-192 с.,ил. (Книга известного французского историка культуры Антонины Валлантен, представляет собой очерк жизни и творческого пути художника, а также исторической эпохи, в которую он работал.)
И сегодня, глядя на его гениальные холсты, трудно понять, почему мировая слава пришла к нему лишь спустя три столетия после его смерти. Что он был за человек? Почему носил такое прозвище? В чем видел смысл своего творчества?
Веснин И. "Эль Греко", М.,2011
Особенности творчества художника Эль Греко: перемещаясь на протяжении жизни из страны в страну, живописец взял наиболее понравившиеся ему черты от каждой из школ, с которой ему приходилось сталкиваться. Каллиграфическая точность критской живописи в сочетании с ярким колоритом византийской иконописи, мистический экстаз католических религиозных сцен и художественные приемы маньеристов позволили Доменико создать свой уникальный узнаваемый стиль, не позволяющий в чистом виде отнести его ни к одному из течений.
Эль Греко оказал мощное и продолжительное влияние на живописцев-новаторов второй половины XIX — начала ХХ века. Таким количеством последователей, пожалуй, не могут похвастаться ни Микеланжело, ни Рафаэль, ни Веласкес.
О художнике рассказывает историк, Тимофей Китнис.
Триста лет забвения
У Эль Греко есть очень известная работа — «Портрет старика», 1604 года. Она считается автопортретом мастера, так что, рассмотрев ее, можно представить себе, каким он был. Но вместе с тем, если вглядеться в лица героев его работ последнего десятилетия — например, апостола Павла или евангелиста Луки, то станет очевидно, что они похожи на «Портрет старика», а значит, и на самого Эль Греко. Личности апостолов по какой-то внутренней причине были для него особенно значимы.
Эль Греко "Рыцарь, прижавший руку к груди".Ок.1580г.холст,масло- Предположительно автопортрет Эль Греко
Мастер умер 7 апреля 1614 года в возрасте 73 лет. Перед смертью он исповедался и причастился. А дальше произошла очень характерная история. Дело в том, что после смерти художника о нем… на триста лет забыли. Показательно, что до наших дней не сохранилась его могила, разрушен и дом в испанском Толедо, где он жил…
Почему так произошло?
Тому есть несколько причин.
Во-первых, Эль Греко был слишком самобытен, не вписывался ни в одну из школ.
В живописи он был, если можно так сказать, аристократом, далеко не всякий мог его понять и воспринять.
Во-вторых, из-за своих независимых взглядов он так и не стал придворным художником короля Филиппа II, который, кстати, очень ценил некоторые его работы. Так или иначе, имя Эль Греко три столетия не вспоминали.
В этом смысле его судьба схожа с участью Баха, которого после его смерти тоже предали забвению — до тех пор, пока его партитура «Страсти по Матфею» не попала в руки Мендельсону и он фактически заново не открыл этого гения.
Точно так же в XIX уже веке два испанских исследователя пролили современникам свет на творчество Эль Греко. Ученые увидели его работы из апостольского цикла, были поражены уровнем мысли и мастерства — и принялись за изучение.
В результате холсты Эль Греко стали высоко цениться и дорого продаваться — конечно, вполне заслуженно. Имя этого художника сегодня занимает одно из ключевых мест в истории живописи.
Слава Богу, что так. Его работы можно увидеть в лучших музеях Европы. И, пожалуй, именно эти холсты могут теперь, по прошествии стольких лет, наиболее полно рассказать нам об этом фантастическом мастере, ни на кого не похожем. Который, кажется, знал, что такое божественный свет.
Эта небольшая картина повторяет сюжет центральной панели обратной стороны Моднеского триптиха, написанного еще в период пребывания Эль Греко в Венеции.
На картине изображены пики горы Синай, священной для иудаизма и христианства.
** Цитата: "...Трагизм образов Эль Греко, их повышенная выразительность отразили дух современной ему жизни – острый кризис гуманистических идеалов, начавшийся в Европе во второй половине 16 столетия. Чувство одиночества, душевная неуравновешенность, как и настроение смятенности, безверия и тревоги, не были случайными. Для Эль Греко, человека тонкой душевной организации, окружающий мир был в состоянии крушения. Резкие социальные и идейные сдвиги 16 века, яростная борьба философских и религиозных направлений заставляли подвергнуть сомнению все – даже существование мира. Искусство Эль Греко было психологическим выражением внутренних трагических конфликтов, отражавших разлад личности с обществом."
Эль Греко "Благовещение" 1575 г. холст, масло
Ave Maria - G. Caccini - Moscow Boys' Choir DEBUT
Эль Греко "Благовещение"
* Цитата : Перламутр
(...Солнечный свет Эль Греко не любил — говорил,что он мешает его внутреннему свету,и подолгу сидел в абсолютно темной мастерской. Зато неестественного,мистического света много на его картинах,которые без труда можно разглядеть даже в плохо освященных храмах и выставочных залах. Полотна Эль Греко лучатся загадочным перламутровым светом,происхождение которого — вполне«техническое», хоть и уникальное. Сначала он покрывал холст белилами,поверх клал жженую умбру — чтобы сквозь тончайший коричневый слой просвечивали белила(такая тонировка грунта называется имприматура). После этого снова белилами намечались фигуры — в этот момент на полотне и рождалось уникальное жемчужное свечение,которого невозможно было добиться,смешав краски просто на палитре. Оттеночные краски наносились тончайшим слоем,часто Эль Греко обходился одними только полупрозрачными лессировками,не прибегая к основному цвету.)
Эль Греко "Посещение." 1610-13. Белый Дуб (близ Вашингтона). Художественная галерея.
Честнейшую Херувим (оптинский распев)
Эль Греко "Поклонение волхвов" ок. 1568 г. масло, дерево.
Эль Греко "Поклонение волхвов" 1561-62 гг. темпера
Эль Греко "Поклонение пастухов " ок. 1570 г. масло, холст
Эль Греко "Мадонна с младенцем", 1579-1599 гг. (Картина написана для часовни святого Иосифа в Толедо). Ныне - Национальная галерея искусств в Вашингтоне, округ Колумбия.
Эль Греко "Поклонение пастухов", 1612-1614 гг.
** Цитата: "...Он писал картины преимущественно на религиозные сюжеты, святых, изможденных аскетов в состоянии мистического экстаза. Поиски выразительных средств все более приводили его к субъективизму. Композиции его картин строились на ритмическом соотношении выпуклых угловатых форм, беспокойных волнообразных линий, произвольно смещающихся планов, смелых ракурсов, на контрастах света и тени, вносящих элементы динамики и передающих ощущение взволнованности. Сильно удлиненные фигуры в страстном порыве устремляются вверх. Обычно применяемый низкий горизонт увеличивает их масштабы. Деревья, скалы, небо, облака и одежды кажутся живыми. Их трепетные контуры повторяют неистовый ритм движения человеческих фигур. Весь мир воспринимается как одухотворенная, непрерывно изменяющаяся бушующая стихия, с которой человек не в сипах совладать. Сцены освещены фосфоресцирующим холодным светом. Нервный ритм усиливается благодаря длинным и беспокойным мазкам...."
Эль Греко "Святая семья со святыми Анной и Иоанном Крестителем." Около 1600 г.
** Цитата:"...Эль Греко – величайший мастер колорита. Он любил пронзительно-светлый голубовато-серо-стальной тон, яркую киноварь, лимонно-желтые, изумрудно-зеленые, синий, бледно-розово-фиолетовые цвета во множестве оттенков, увеличивал силу каждого цветового пятна дополнительными. Однако цвет для Эль Греко не постоянный признак предмета, а выразитель взволнованных чувств. Контрастные холодные и горячие краски словно находятся в состоянии напряженной борьбы. Они насыщены мерцающим светом, как бы излучаемым предметами."
Эль Греко "Святое семейство с Марией Магдалиной"
Эль Греко "Бегство в Египет". Ок. 1570 г.
Эль Греко. "Крещение Господне"
Между Западом и Востоком
Эль Греко — не фамилия художника, а прозвище, отсылающее к его греческому происхождению. От рождения он носил другое имя — Доменико Теотоко́пули.
Родился будущий мастер на Крите, условной датой его рождения считается 1541 год.
Условной — потому что в 1601 году он пригласил своих друзей на 60-летие. От этого события и отсчитали время его появления на свет, но проверить данный факт уже вряд ли возможно.
Эль Греко "Христос в доме Симона фарисея". 1610-14гг. (Чикаго. Художественный институт)
Эль Греко "Марфа и Мария" ок. 1572г. темпера
Крит в то время принадлежал Венецианской республике. Там сосуществовали две христианские общины — католическая и православная. Родители Эль Греко были католиками, воспитали сына в своей традиции.
Однако он с ранних лет, как только взял в руки кисть, находился под особым обаянием Критской иконописной школы, возникшей внутри греческой православной культуры.
В то время — в XVI веке — она переживала свой расцвет. К его первым учителям относят иконописца Михаила Дамаскиноса, косвенное влияние оказал на него Феофан Критский. Некоторые исследователи творчества Эль Греко придерживаются мысли, что он до конца жизни сохранял верность тем основам, которые были в него заложены на Крите.
Что, в общем-то, справедливо. К примеру, у него осталось то особое ощущение света и пространства, особый символизм, которые были в иконографическом искусстве того времени. Кроме того, Эль Греко присуща тонкость и точность ликов, что тоже перекликается с критской традицией.
Однако на Крите он провел только часть жизни. К 26 годам Эль Греко почувствовал необходимость внутренне и профессионально расти. Чтобы развиваться как живописец, он в 1567 году переехал в Венецию.
В его работах очевидны следы пребывания там: он учился в мастерской Тициана и одно время находился под сильным впечатлением от его творчества. Некоторые искусствоведы даже полагают, что Эль Греко копировал Тициана.
Эль Греко "Изгнание из храма" 1570г. темпера, дерево
(На картине "Изгнание из храма" собрания лорда Ярборо помещены сбоку внизу портреты Джулио Кловио, Тициана и - что особенно важно отметить - Микель Анджело (четвертый из помещенных здесь персонажей считается автопортретом). Сохранился и отзыв Доменико о великом флорентийце, сводящийся к тому, что Микель Анджело не занимался живописью, а лишь рисовал скульптурные группы. Вероятно, мы бы узнали и в большей подробности мнение Греко о великом гении, которому он и его настоящий учитель, Тинторетто, стольким обязаны, если бы сохранились его рукописи, о которых Пачеко говорит, что они достойны великого философа. Тот же Пачеко сообщает, что на вопрос, что из двух предпочитает Греко: краску или рисунок, - мастер ответил: "Разумеется, краску".) (отсюда)
Однако вряд ли это справедливо. Талант Эль Греко настолько самобытен, что если он когда-то кого и копировал, то только самого себя. Со временем он внутренне разошелся с Тицианом. Эстетика великого венецианца все же была ему чужда, хотя он и считал его гениальным живописцем, мастером рисунка.
Но сам Эль Греко склонялся к более глубоким исследованиям человеческой натуры. Творчество Тициана казалось ему слишком чувственным — скорее внешним, чем внутренним. Эль Греко же был в своих работах аскетичнее, его интересовал прежде всего духовный пласт. Кроме того, огромное влияние за время пребывания в Венеции на него оказал Тинторетто. Многие приемы — игру света и тени, мазки, тему и стиль позднего маньеризма он взял у этого итальянского художника.
Вообще, Эль Греко очень много учился, практически всю жизнь. Он был чрезвычайно образованным человеком своего времени. Образование он начал получать на Крите, продолжил в Венеции, позднее переехал в Рим.
Он свободно владел четырьмя языками — греческим, латынью, итальянским, позднее и испанским. Постоянно собирал библиотеку, которая в свое время была одной из самых блестящих в Толедо, куда он со временем перебрался на постоянное место жительства. Она включала 131 том только наиболее ценных экземпляров на разных языках, не считая прочих книг.
Эль Греко "Тайная вечеря" 1567 -68 гг. Темпера и масло
Это одна из первых его работ маслом, до этого он писал темперой на деревянных досках. "Тайная вечеря" так и не была завершена художником. По манере исполнения она близка к Моденскому триптиху, созданному в то же время. В этой работе еще недостаточно проработана перспектива, фигуры замерли в неестественных позах.
Гефсиманская молитва (моление о чаше) (ок 1605) (104 х 117) (Толедо, Музей искусства)
"Тебе поём" - Санкт-Петербургский камерный хор
Эль Греко "Христос-Вседержитель". 1610-14 гг. Мадрид. Прадо
Эль Греко "Христос несущий крест". Около 1602 г.
"Се Жених.." Киевского распева архим. Матфея Хор ТСЛ
Эль Греко "Снятие одежд с Христа". 1577-79 гг. Холст, Масло. 285 x 173 см Толедо. Алтарь Кафедрального собора Святой Марии
* Цитата из другого источника: ( Эль Греко высоко ценил свое творчество, выставлял заказчикам нескромные счета, а если те начинали торговаться — шел в суд. Так было с картиной «Эсполио» (известна также как «Снятие одежды с Христа» и «Совлачение риз»).
Художник запросил за огромное плотно, написанное для алтаря Кафедрального собор в Толедо, 900 дукатов (корова тогда стоила 20). Но церковные чины узрели нарушение норм иконографии и согласились заплатить только 227.
Отсудить тогда, правда, удалось лишь 350. «Эсполио» и по сей день в Толедо, а ее версии — в английском городе Банбери и в Мюнхене.
Она пользовалась такой популярностью, что Эль Греко сделал 17 (!!!) ее копий. Многие его картины существуют в разных вариантах. Иногда художник искал идеал. Иногда — всего лишь средства к существованию, и призывал на помощь подмастерьев.
Например, упоминавшаяся выше «Гефсиманская молитва» сейчас выставляется в Лондонской Национальной галерее с табличкой «Мастерская Эль Греко». И, надо признать, копии у художника случались разного качества.)
Stabat Mater (V. Sinenko) - Moscow Boys' Choir DEBUT
Эль Греко "Распятие" 1597-1600 гг. Холст, масло.312-169 см.
Эль Греко ""Пьета", или "Оплакивание Христа"1565-70 гг. темпера
Цитата: "Во многом эта картина напоминает неоконченную скульптуру Микеланджело, которую называют "Пьета с Никодимом", или "Пьета Бандини" (1547-1555), ныне хранится в Флорентийском соборе. Трое обнимают мертвого Иисуса Христа: Богоматерь, мать Христа, Мария Магдалина и Иосиф Аримафейский.
В такой же компактной группе из четырех фигур трагическая выразительность и страстная одухотворенность достигает апогея. Если Микеланджело достигает драматического эффекта пластическими средствами, то Эль Греко использует в картине более резкие переходы красок. Для того чтобы передать глубину чувств, художник сочетал более резкие цвета, характерные для римских художников, с более широкой палитрой венецианского стиля.
На заднем плане мастер изобразил пейзаж с горой Голгофой – местом распятия Мессии. На горе установлены три креста, для Христа и двух разбойников, которые были казнены вместе. Ненастные небеса также скорбят о смерти безвинного Агнца Божьего."(отсюда)
Эль Греко "Святая Вероника" - Около 1579 г. холст масло
(СВ. ВЕРОНИКА. Согласно легенде, вытерев пот с лица Иисуса Христа куском льняной ткани, когда Христос нес крест на Голгофу: его лик чудесным образом запечатлелся на этом куске ткани. Ткань, называемая платком Вероники, впоследствии оказалась в Риме и стала важной реликвией базилики св. Петра. Имя «Вероника» можно считать произошедшим от латинских слов вера икон, означающих «истинный образ». Эту святую изображают держащей свой платок, как на картине Эль Греко, или же стоящей среди отвратительной толпы, окружившей Христа перед его распятием, выделяясь изяществом своего облика, как на картине Босха (ок. 1450-1516).
Pie Jesu - Les Petits Chanteurs de Saint-Marc
Эль Греко "Плат Вероники " около 1577-1600 гг.
( Эль Греко несколько раз обращался к теме священного платка. На картине, написанной около 1579 г., задумчивый взгляд аристократичной св. Вероники отведен в сторону, что позволяет зрителю сосредоточиться на образе Христа, запечатленном на платке, который она показывает. Христос смотрит прямо на зрителя, черты его лица спокойны и утончены, а не искажены ранами или болью.
Такое представление о человеческом образе Христа сходно с величественным нерукотворным Спасом — образом, почитаемым православными христианами, с которым Эль Греко, будучи критянином, должен был быть знаком. Подобно платку Вероники, плащаница была куском ткани, на котором оказался чудесно запечатленным образ Христа, когда он поднес его к лицу, поэтому считается, что она передает его подлинные черты. И плащаница, и платок Вероники являлись для средневекового христианства важными реликвиями, но в живописи образ на платке чаще представляет только сам лик Христа со струйками пота и крови, что побуждает зрителя сосредоточиться на размышлениях о страданиях Христа, принятых им во искупление грехов человеческих.) отсюда
Эль Греко "Плат Вероники" около 1600г. масло
Эль Греко. "Плат с ликом Христа".1586-1595 гг.Холст, масло.71-54 см., Прадо, Приобретена в 1944 г.
Эль Греко "Воскресение Христово" 1597-1600 гг. Холст, масло. 275-127 см.
Художник представил Троицу в композиции «Оплакивания Христа»: в окружении ангелов Бог Отец принимает тело Своего Сына, а вверху парит голубь - символ Святого Духа. Здесь мы видим характерное для дальнейшего творчества живописца влияние маньеризма: резкое удлинение пропорций и ракурсный излом человеческой фигуры. Большое внимание уделено колориту. Эль Греко взял из венецианской цветовой системы ее византийскую основу, он добивался невероятной светозарности красок: сопоставляя ярко-желтые и холодные синие, изумрудно-зеленые и огненно-красные тона. Использование белил, цветовые рефлексы желтого на темных поверхностях придают гамме чрезвычайную эмоциональную напряженность.
В основе композиции лежит известная гравюра Альбрехта Дюрера. На цвет и рисунок данной работы оказали влияние римские и венецианские мастера, в частности, яркая живописная палитра связана с творчеством Тинторетто, а сложные изменения ракурсов фигуры Христа свидетельствуют о пристальном внимании к произведениям Микеланджело.
Эль Греко "Сошествие Святого Духа"Ок.1600г.Холст, масло.275-127 см.
Триптих привлекает внимание тем, что это одно из ранних сохранившихся произведений Эль Греко, созданное вскоре по прибытии в Италию. Художник познакомился с итальянской живописной школой, и сделал первые шаги в новой технике. Плоскостность, линейность, геометрические планы византийской традиции сменяются композициями с округлыми, более плотными формами и более свободной трактовкой. В триптихе появляется некоторая напряженность, характерная для манеры Эль Греко, а также многие элементы и композиции, к которым он позже вернется.
Эль Греко "Триптих Модена " 1568 г. темпера (1)
триптих, который называли Моденским по месту его хранения, или "Благовещение на горе Синай". Небольшой сборный алтарный образ с подвешенными на петлях боковыми панелями, расписанный с двух сторон, типичен для Крита XVI века, но его обрамление ближе к Итальянскому Ренессансу. Возможно, его заказчиком выступал представитель критско-венецианского семейства. Боковые створки триптиха открываются по очереди; он проводит зрителя от грехопадения человека до оправдания через Христа.
На передней стороне помещены сцены (слева направо): "Поклонение пастухов", "Аллегория Христианского воина" и "Крещение Христа";
на обратной стороне: "Благовещение", "Гора Синай" и "Бог-Отец предостерегает Адама и Еву".
"Аллегория Христианского воина" - центральная сцена на передней стороне, она сложна для восприятия, полна библейских аллегорий и символов.
Эль Греко "Сон Филиппа II." Ок. 1580 г., Сосновая доска, масло, темпера. 139 Х 109 см.Лондон, Национальная галерея
Непросто складывались отношения Эль Греко с испанским королевским двором. Как и любой амбициозный творец того времени, он стремился стать придворным живописцем, чтобы не знать недостатка ни в заказах, ни в средствах. Такой шанс выпал ему в июне 1579 года.
Огромный королевский дворец Эскориал близ Мадрида. Для его оформления король Филипп II подбирал лучших из лучших, с этой целью ко двору были призваны модные итальянские живописцы, и Тициан – в их числе. Стремился попасть в круг избранных и Эль Греко: по одной из версий, это была главная причина, по которой он прибыл в Испанию. К приезду короля Эль Греко написал картину с участием царственной особы – «Видение Филиппа II», также известную под названиями «Аллегория Священной Лиги» и «Поклонение имени Иисуса». Эль Греко ухитрился поместить на холст одновременно столько всего, что все три именования имеют право на жизнь.(...)
Венчает композицию монограмма из трех букв HIS (в 16-м веке эти три буквы получили трактовку Jesum Habemus Socium, что в переводе с латыни означает «С нами Бог» – девиз ордена иезуитов.) Нижний левый угол отдан на откуп тому, ради кого, собственно, затевалась вся картина. Король Филипп II изображен коленопреклоненным в компании почтенной публики: папы римского Пия V и дожа Альвизе I Мочениго – главы Венецианской республики. 25 мая 1571 года эти трое подписали договор о создании Священной лиги – военной коалиции католических государств для борьбы с Османской империей, стремившейся захватить восточное побережье Средиземного моря.
Пасть мифического чудовища Левиафана, плавающего в геенне огненной в правом углу картины, поглощает заблудшие души еретиков в огромных количествах. Художник также писал маленькие копии некоторых своих работ, чтобы держать у себя в студии. И экземпляр «Поклонения имени Иисуса», хранящийся Национальной галерее Лондона – один из них. (описание картины сделала Наталья Азаренко - *)
Эль Греко "Мученичество святого Маврикия" -. 1581 г. Холст, масло. 448 x 301см
Эль Греко "Святой Себастьян".1610-1614 гг
Эль Греко "Св. Себастьян". 1577. Паленсия. Кафедральный собор Святого Иоанна
Эль Греко "Св. Мартин и нищий". Холст, масло 193.5 x 103 см- 1597-99гг. Вашингтон. Национальная галерея искусств
Картина Эль Греко «Святой Мартин и нищий» повествует о добродетельном поступке Мартина, сына грозного военного трибуна. Молодой человек готовился к военной службе и прославился праведными делами, ещё до того как принял христианскую веру. Вот и сейчас он восседает на белой лошади в доспехах, когда у его ног оказывается бедный продрогший человек.
Эль Греко запечатлел известный библейский сюжет, когда Мартин, пожалев нищего, отрезал половину своего плаща, чтобы дать ему согреться. А ночью ему явился сам Христос, одетый в отрез плаща, который обратился к нему со словами: «Это Мартин одел меня в свой плащ». После этого юноша оставил войско и стал христианином. Позже он пытался обратить в веру своих родителей, но только мать решилась на принятие христианства.
Живописец придвинул действующие лица на передний план, чтобы зритель смог внимательно рассмотреть все детали: худую фигуру бедняка, роскошное облачение Мартина, его смиренный спокойный лик (более подходящий иконам), кинжал, разрезающий ткань. В качестве фона автор использовал вид на главный город в своей жизни – Толедо. Таким вот приёмом Эль Греко будто соединяет реальное и ирреальное. Как некое видение вне времени и пространства предстаёт перед нами религиозная история.
Все фигуры вытянуты, как водится у Эль Греко, а краски будто сияют изнутри. Это удивительная колористическая особенность кисти мастера – рядом с его работами другие картины словно тускнеют.
Работа поражает своим спокойствием и повествовательностью. Здесь нет апофеозов, святых нимбов, ангелов, парящих в небесах, хотя от этого полотно не смотрится менее возвышенно и духовно, скорее наоборот. Стоит обратить внимание на небеса – облака напоминают нам крылья за спиной Мартина, намекая нам на то, что молодому человеку уготована праведная судьба, а после смерти он станет одним из самых почитаемых святых в Европе (особенно во Франции).отсюда
Эль Греко "Св.Форанциск Stigmata" (1567-70) масло
Эль Греко."Погребение графа Оргаса " 1586-1588 гг.,Холст, масло. 480 x 360 см. Толедо. Церковь Иглесия де Санто Томе
Цитата: (отсюда)" Верхняя часть композиции представляет мир призрачных тревожных видений. Здесь все находится в драматическом движении. На небе, озаренном вспышками холодного света, Христос с сонмом святых принимает душу Оргаса. Сияющая тревожным холодным светом и светлыми красками небесная сфера по композиции противоположна сцене погребения с ее напряженной гармонией черного, серого, белого. Удлиненные угловатые фигуры бесплотны и подчинены бурному ритму линий и цветовых пятен. Им же вторят ритмы развевающихся угловатых негнущихся складок одежд и облаков. Вся композиция развертывается в пределах переднего плана, пространство уплотнено фигурами, что усиливает сгущенность эмоциональной атмосферы. Мастерски написаны рефлексы стали на доспехах, жемчуг, узоры белых кружев на черном бархате и другие декоративные детали, которые любили воспроизводить в живописи испанцы."
Эль Греко."Погребение графа Оргаса"(фрагмент)1586-1588 гг.,Холст, масло. 480 x 360 см. Толедо. Церковь Иглесия де Санто Томе
( Это самая известная картина великого и загадочного Эль Греко принадлежит к периоду расцвета его творчества. Художник уже не оглядывается на учителей, а вырабатывает свою манеру письма, которую невозможно перепутать со стилями других живописцев. В 1586 году мастер приступил оформлению церкви Сан-Томе в Толедо. Центральным сюжетом была выбрана легенда о толедском святом, доне Гонсале Руисе, он же граф Оргас, жившим в XIII-XIV вв. Благочестивый набожный христианин, он прославился благотворительной деятельности, а когда в 1312 году умер, сам святой Стефан и блаженный Августин спустились с небес, чтобы придать земле достойного усопшего.
Картина визуально делится на две части: «земную» и «небесную». Они отличаются и по цветовому решению, и по стилистическим характеристикам. Строгий ритм нижнего «этажа» противопоставлен барочной «верхушке». А там, на разных небесных уровнях, душу графа встречают Иоанн Креститель, Дева Мария, ангелы и херувимы. В центре восседает Христос. Летящий ангел нарочно высветлен белым цветом – именно он возносит душу графа к небесам.
Христос, ангел с усопшей душой и дворянин внизу образуют вертикальную ось. Геометрические линии в построении композиции были очень свойственны Эль Греко и данная картина яркое тому доказательство.
Экспозиционная кульминация смещена к низу работы, туда, где Стефан и Августин, склонившись, опускают Оргаса в землю. Святые одеты в золотые наряды, которые перекликаются с фигурой ангела и одеждами Петра в верхней зоне. Таким образом, золотым цветом художник связал героев работы, относящихся к миру небесному, потустороннему.
Представленная картина пользовалась огромным успехом в Испании во времена художника. отсюда)
Ещё цитата ( отсюда) "...Самое замечательное в картине – остропсихологические портреты толедцев. Это люди разных возрастов и характеров – воплощение духовной красоты: на их строгих, замкнутых, бледных лицах можно прочесть силу чувств, оттенки настроений, тонкость ума, самоуглубленность, гордость, непреклонность. Вместе с тем все они объединены изумлением перед совершающимся чудом и глубокой скорбью при мысли о неизбежной смерти. Темные силуэты торжественно-неподвижны, скованы, но сдержанные жесты рук выдают затаенную взволнованность. Тема жизни, ее скрытого драматизма дана в сопряжении с темой неба – что характерно для Эль Греко..."
Выразительная эмоциональная работа имеет огромное воздействие на зрителя – свидетельствуют очевидцы.
Красноречивый факт: Сальвадор Дали даже потерял сознание у полотна. Пожалуй, такая характеристика исчерпывающа.
Эль Греко"Снятие пятой печати". 1608-1614 годы..Холст, масло,224,8-199,4 см. Музей Метрополитен, Нью-Йорк
Апокалиптическое полотно "Снятие пятой печати" было заказано художнику в 1608 году для госпиталя Сан Хуан де Баутиста (госпиталя Тавера) в Толедо. Первоначально планировалось, что оно станет деталью алтарного образа из трех, заказанных для госпиталя.
На переднем плане изображена коленопреклоненная фигура Святого Иоанна, его лицо обращено к небесам, руки простерты вверх. Вся фигура святого непомерно вытянута, он находится в молитвенном трансе, созерцая мистические видения, проносящиеся перед его взором. Художник с пугающей мощью передал ощущение невероятной духовной силы и святости пророка.
В глубине картины, словно в бездонном провале, святые мученики восстают из своих могил, дабы получить белые одежды. Они простирают руки к небесам, требуя отмщения за свои страдания. Вытянутые обнаженные фигуры мечутся, словно язычки пламени.
Справа находится группа из трех мужских фигур на фоне зеленой драпировки, принимающих из рук парящих херувимов белые одеяния. Слева группа из четырех фигур (вероятно, две мужские и две женские) написана на фоне желого полотна. Они укутываются, или наоборот, сбрасывают с себя покрывало.
Эль Греко удалось отобразить мистическое видение Апокалипсиса в цвете, свете и движении. Создается впечатление, что краски на картине светятся. Искаженные, изломанные линии усиливают эмоциональную выразительность, характерную для поздних работ мастера.
Картина осталась незаконченной, она упоминается в списке, составленном после смерти художника. Предположительно в верхней части картины, обрезанной и утраченной сейчас, находилось изображение Агнца Божьего, снимающего печать с Книги. По другомй версии на ней находилось изображение престола Божьего, который описан в Откровении Иоанна Богослова: (Откровение 4:2-6.)
Эта картина вызвала немало восхищенных отзывов художников двадцатого века, в частности, Пабло Пикассо.
Путь к апостолам
В связи с этим художником часто возникает вопрос, почему же он, грек по происхождению, более склонялся к живописи, чем к иконописи?
Дело в том, что Эль Греко вырос в среде римо-католиков, иконопись и западная живопись были ему равно близки.
При этом он был человеком Ренессанса. И хотя, безусловно, он всю жизнь находился под впечатлением от Критской иконописной школы, она была не единственной, оказавшей на него влияние. В искусстве он пошел своим самобытным путем.
Эль Греко. "Святой Иоанн Богослов". 1605. Мадрид. Музей Прадо.
Эль Греко "Святой Иоанн Евангелист и святой Франциск Ассизский".1600-е. Холст, масло. 110х86см. Флоренция. Галерея Уффици. (Типичные для живописи Эль Греко вытянутые фигуры персонажей напоминают языки пламени над свечами. Земля, простираясь у ног святых, подчеркивает масштаб их образов, а фоном служит небесная синева с плотными облаками, по которым Иоанн и Франциск могли бы взойти на небо.)
*** Здесь нужно отметить одну важную деталь: творчество Эль Греко во многом загадочно, в своей манере письма оно не имеет предшественников, хотя следы и Тициана, и Тинторетто там определенно есть. Не осталось у него и учеников.
В некотором смысле Эль Греко можно сравнить с Ван Гогом — тот тоже был абсолютно самобытен и лишь условно связан с предшественниками и современниками. Как и в случае с Ван Гогом, Эль Греко многие не понимали. К примеру, когда он уже жил в Толедо, к нему явился один искусствовед, человек весьма передового мышления. Они, оба люди эпохи Возрождения, беседовали об искусстве, философии, богословии... И гость был поражен нестандартностью мыслей Эль Греко, который сначала полностью раскритиковал Аристотеля, а затем принялся за Микеланджело: дескать, он, конечно, был хорошим человеком, но дурным живописцем. Такое заявление выглядело, мягко говоря, смело, не всякий смог бы его понять.
(слева) Эль Греко. Святой Иоанн Богослов, 1577-1579гг., холст, масло, Церковь Санто-Доминго-эль-Антигуо, (справа) Эль Греко. Святой Иоанн Креститель,1579, холст, масло, Церковь Санто-Доминго-эль-Антигуо, Толедо)
Эль Греко "Святой Иоанн Креститель"
Кстати, Эль Греко позже вступил в соревнование с Микеланджело — когда писал свою знаменитую работу «Снятие пятой печати». Тематически она перекликается со «Страшным судом» Микеланджело в Сикстинской капелле — речь в обоих случаях идет о конце времен. У Эль Греко была возможность пожить в Риме: он перебрался туда в 1570 году, когда покинул Венецию.
Эль Греко "Святой Апостол Андрей",1610-1614,холст, масло, 71х54.6 см, Музей искусств округа Лос-Анджелес, Лос-Анджелес
Город оказал на него огромное воздействие. Он ходил мимо благородных руин, описывал, срисовывал, как и положено, значимые античные объекты... Но там он долго не задержался. С 1575 года и до конца своих дней — до 1614 — он прожил в Толедо. Именно этот город стал для него в определенном смысле второй родиной.
Толедо и сейчас — один из самых блестящих городов Испании, а в то время... Когда страна была под владычеством мавров, Толедо по уровню учености своих жителей, по уровню мысли философов, которые там проживали, был настоящим конкурентом знаменитому Кордовскому халифату.
Эль Греко "Апостолы Пётр и Павел".Барселона. Национальный музей Каталонии.
Эль Греко поселился в «мистическом» доме — в поместье, когда-то принадлежавшем маркизу де Вильене, которого считали едва ли не чернокнижником. Художник прожил в его доме до конца своих дней.
Там, в мастерской внутри шикарного особняка, он принимал узкий круг близких по духу людей. К этому моменту творчество Эль Греко достигло своего апогея. Он стал зрелым художником и при этом был полон сил, энергии. В это время он создал один из самых известных своих холстов — «Апостолы Петр и Павел».
Конечно, у него были и другие весьма значимые работы, и немало. Но тема учеников Христа проходит через всю его жизнь, в конце которой он создал целый апостольский цикл. Сейчас он находится в Толедо. Можно сказать, этот цикл подвел черту в художественной биографии Эль Греко. И, пожалуй, символично, что на этих холстах изображены люди, посвятившие себя проповеди Христа.
Эль Греко "Апостолы Петр и Павел" Между 1587-1592 Холст, масло. 121,5x105 Эрмитаж
Изображение апостолов Петра и Павла в трактовке Эль Греко - это противопоставление двух натур и темпераментов. Павел умен, категоричен и беспощаден, решителен и эмоционален. Одна рука лежит на книге Святого Писания, указующий жест другой как бы подтверждает написанные им проповеди христианской веры. Контрастом ему выступает апостол Петр. Он - весь в сомнениях и размышлениях. Кроткий, нерешительный взгляд говорит о колебаниях и внутреннем разладе. Интересно сопоставление рук обоих апостолов - твердой сильной руки Павла и мягкой, просительной - Петра. Подобная трактовка образов евангелистов была находкой Эль Греко, она значительно отступала от норм существовавшей церковной традиции в Испании. отсюда
Эль Греко "Святые Андрей и Франциск".1595 г..
Записала Алла Митрофанова
«Доменикос Теотокопулос,критянин сделал» — выдающийся испанский художник подписывал работы настоящим именем,нередко ставя напоминание о своем происхождении прямо в центр полотна,
Эль Греко «Гроза в Толедо» («Вид Толедо») 1610-14 гг, .Холст, масло. 121,3x108,6 см. Нью-Йорк. Метрополитен
На холсте «Вид Толедо» угадываются река Тахо, Кафедральный собор и крепость Алькасар, но это не совсем реальный город. Изображенное кажется видением, сном, настолько оно заряжено невиданной энергией. На полотне разворачивается драма, действующими лицами которой являются небо, где летят и вздымаются озаренные вспышками молний облака, и земля с пробегающими по ней не только пятнами света и тенями от облаков, но и какими-то «нервными судорогами». Люди в драме не участвуют, да их и невозможно представить в этом ландшафте: здесь сталкиваются стихии, идет сражение, в котором человеку нет места. Он может лишь смотреть на этот озаряемый молниями город на высоком холме и молиться.
Будучи в Испании гостем, Эль Греко едва ли не лучше многих рожденных здесь художников почувствовал страстную и религиозную испанскую душу, которая живет и дышит на его полотнах.
Это раннее алтарное изображение было выполнено для аттика главного запрестольного образа в церкви Санто-Доминго эль Антигуо в Толедо.
Почтовая марка, выпущенная к 400-летию кончины Эль Греко.
* Цитата : Стиль
"...Эль Греко знаменит,потому что узнаваем. Непропорциональные,парящие в воздухе фигуры,с вытянутыми аскетичными лицами и телами,похожие не то на языки пламени,не то на подтаявшие свечи — не спутаешь ни с чем. Попытки понять Эль Греко были отчаянными. Долговязость персонажей пытались списать то на косоглазие и астигматизм,то на марихуану,то на общее безумие,традиционно ассоциирующееся с гениальностью.
Думали,особая манера письма — результат наложения на византийскую технику иконописи,которой художник овладел еще на родине,приемов,которым он обучился в Италии. И не принимали во внимание то,что теперь представляется очевидным. Эль Греко пытался уловить и изобразить внутреннее устройство человека и человечества. И легко жертвовал внешней достоверностью в погоне не за фактами,а за чувствами,смыслами,сутью — как земного, так и космического, божественного."
* Язык
Всюду,где только мог,Эль Греко говорил на родном греческом. Но дело не в этом,а в том,что на каком бы языке он ни говорил, — грек бывал язвителен и несносен. Впрочем,испанцы должны быть этому только рады,да и все мы тоже. Будь Доминикос Теотокопулос поделикатнее да потактичнее,он вполне мог бы стать еще одним итальянским,а не великим испанским художником. Наша заключительная история как раз об этом. Когда будущий Эль Греко был в Риме,там бурно обсуждались срамные фигуры,изображенные на фреске«Страшный Суд». Идея закрасить алтарную стену Сикстинской капеллы не казалась пришлому греку кощунственной. Он утверждал,что написал бы все заново — не хуже и к тому же целомудреннее. А про покойного уже Микеланджело и вовсе выдал: «Видимо,это был хороший человек,но писать не умел». Говорят,местные художники ему этого не простили. И Доминикосу Теотокопулосу пришлось держать путь из итальянца в Эль Греко.
Толедо.(фотография)
В 1881 году директор музея Прадо откажется включать в коллекцию работы этого художника, заявив, что «нелепые карикатуры не имеют ничего общего с истинными произведениями искусства». Спустя сто лет политика музея кардинально изменилась: для экспозиции картин Эль Греко выделят отдельное помещение и будут стремиться выкупить все доступные полотна его кисти. В наши дни Доменико Теотокопули в Испании почитают как национальную святыню, а в Толедо, где он провел большую часть жизни, расположен музей его имени.
Ниже посмотрите на обложки (с указанием выходных данных) ещё двух книг о великом художнике (первые две книги в самом начале поста).
Каптерева Т. П." Эль Греко ". Альбом / М.: "Белый город", 2005 - 48с.,ил.
Петров М. Эль Греко / М.: Молодая гвардия,2016,-272 с.,ил. (Жизнь Замечательных Людей-малая серия).
Автор книги :"мне было интересно взглянуть на то, как различные художественные традиции некоторых регионов Средиземноморья "огранили" талант Эль Греко"
